Artículo: Historia del Arte 101: Arte Pop

22 ene 2020time_5.min

Historia del Arte 101: Arte Pop

Saltando hacia adelante en el tiempo desde nuestra última publicación de historia del arte sobre el Renacimiento , estamos acelerando varias décadas para aterrizar justo a mediados del siglo XX.

Esta semana estaremos cubriendo el movimiento Pop Art y los artistas neorrealistas.

Conocidos por sus obras gráficas con imágenes audaces e inesperadas mezclas de colores, estos artistas fueron influenciados por el auge posterior a la Guerra Mundial y una ola de publicidad de Mad Menesque como las que se muestran a continuación.

"1960 Frigidaire Oven Anuncio Life Magazine 15 de febrero de 1960" ,"1960 Early Times Bourbon Anuncio Life Magazine 9 de mayo de 1960" y"1965 Dodge Coronet 500 Anuncio Road & Track febrero de 1965" de SenseiAlan con licencia CC BY 2.0

El movimiento Pop Art, abreviatura de Popular Art, siguió a los movimientos artísticos Fauve y Dada. Se desarrolló casi al mismo tiempo que el expresionismo abstracto, que comenzó poco antes, en la década de 1940.

El movimiento establece muchos paralelismos entre sus movimientos artísticos precedentes, adoptando los colores fuertes y brillantes y las líneas claras de los Fauves, así como los medios, puntos de vista y actitudes de los dadaístas radicalmente absurdos (representados a continuación por la famosa Fuente de Marcel Duchamp de 1917 ).

Aunque abrazaron a sus predecesores, los artistas pop también rechazaron lo que percibían como el elitismo acérrimo de sus homólogos del expresionismo abstracto. Estos artistas, principalmente Rothko, Pollock y de Kooning, disfrutaron de nuevas formas de abstracción: su arte se centró en el uso del color, los medios y la creación de marcas para expresar ciertas emociones, pensamientos y experiencias (representadas a continuación por el óleo sobre lienzo de Arshile Gorky pintura, Combate enigmático ).

Marcel Duchamp, fotografía de "1917, Fuente" de Alfred Stieglitz (a través de Wikimedia Commons Public Domain) y "Enigmatic Combat" de Zooey_ tiene licencia CC BY-SA 2.0

Los artistas pop incorporaron imágenes populares en sus obras de arte, en algunos casos remezclando y empalmando estas figuras para sus propios fines. Los temas familiares en sus obras de arte vinieron directamente de las páginas de cómics, periódicos, revistas, dibujos animados y directamente de la pantalla grande.

El clima cultural de las décadas de 1950 y 1960 permitió a estos visionarios fomentar un sano escepticismo por la cultura popular, lo que les permitió cuestionar, criticar, subvertir y, en última instancia, apropiarse de los símbolos que eran los pilares corporativos en Estados Unidos y en el extranjero.

Gracias a sus puntos de vista poco convencionales, estos artistas sacudieron el mundo del arte hasta la médula, cambiando la forma en que todos aprecian y experimentan el arte para siempre.

Si bien los artistas pop estadounidenses son los más celebrados, este movimiento comenzó en el Reino Unido a fines de la década de 1940 con un grupo de artistas conocido como el "Grupo Independiente" .

Estos artistas comenzaron a experimentar con collages y símbolos culturalmente relevantes de la cultura popular y las revistas como una forma de hacer frente a la enorme desigualdad económica entre el Reino Unido y los EE. UU. en ese momento. Las realidades severamente divergentes entre estas dos potencias mundiales solo se destacaron aún más gracias, en parte, al naciente campo de la publicidad.

Artistas como Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton comenzaron a criticar y señalar las ironías promovidas en la cultura angloamericana a través de la publicidad con una serie de collages inéditos e inusuales.

"Moonstrips Empire News" de Eduardo Paolozzi foto de hyperion327 con licencia CC BY-NC-SA 2.0

Esta técnica de collage y remezcla, a veces conocida como apropiación o cita , así como las composiciones aparentemente descuidadas de su trabajo, fueron parte de la razón por la cual el Grupo Independiente fue inicialmente ridiculizado por el llamado establishment de las bellas artes.

Fue la naturaleza gráfica y provocativa de estas obras de arte lo que más tarde inspiraría a otros artistas a pensar críticamente sobre la sociedad, la producción en masa y lo que consumían (tanto literal como figurativamente).

“ Roy Lichenstein ” de Nadia Bouloudene tiene licencia CC BY-ND 2.0 .

Roy Lichtenstein, quien comenzó su carrera a principios de la década de 1950, es quizás mejor conocido por sus llamativas y coloridas reproducciones de viñetas de historietas sobre lienzo.

Durante su vida, Lichtenstein disfrutó de una asombrosa cantidad de éxito popular y académico. Sus obras fueron, y siguen siendo, muy populares entre los coleccionistas y el público por igual. Sus composiciones son tan reconocibles y queridas como las de su compañero artista pop, Andy Warhol.

Los críticos de Lichtenstein son muchos, pero los más vocales con diferencia han sido los dibujantes de cómics de cuyo trabajo se apropió. Artistas como Dave Gibbons, Russ Heath e Irv Novick "recibieron el tratamiento de Lichtenstein" y ellos, junto con sus seguidores, continúan debatiendo la ética del éxito de este artista pop. Estos artistas, frustrados por la abrumadora celebridad de Lichtenstein y lidiando con que sus propias obras sean descartadas como infantiles y kitsch, ven el trabajo del artista pop como poco más que una copia de sus originales.

No podemos decir que los culpemos: comparar las llamativas etiquetas de precios adjuntas a algunas de las piezas de Lichtenstein con el valor minorista de los cómics que las "inspiraron" arroja una mancha desagradable en el legado profundo, aunque aparentemente tórrido, de este artista.

"The Broad" de Roller Coaster Philosophy tiene licencia CC BY 2.0 y demuestra el trabajo "Live Ammo (Blang) de Lichtenstein, después de Joe Kubert

Famoso por sus llamativas serigrafías de objetos cotidianos y celebridades, Andy Warhol comenzó su viaje artístico como ilustrador comercial para anuncios impresos. Sin embargo, a medida que tuvo más y más éxito en estos esfuerzos, también se interesó en diversificarse en el mundo de las bellas artes y comenzó a crear obras maestras reconocibles al instante y que invitaban a la reflexión.

Warhol instaló su estudio en una fábrica abandonada en la ciudad de Nueva York y reclutó a decenas de artistas, intérpretes y asistentes para trabajar en una línea de montaje. Esto lo ayudó a explorar su antigua fascinación por la producción en masa y el arte automatizado, y le permitió producir obras a mayor escala.

"NY April 2014" de Vix_B tiene licencia CC BY 2.0

Warhol vio arte en todo: su pieza más reconocible es una serie de grabados conocidos como sus Latas de sopa Campbell (arriba). Este conjunto de grabados ahora infames presenta la imagen de las latas de sopa favoritas del artista repetidas en 32 lienzos.

Con el icónico esquema de color rojo y blanco brillante de Campbell y líneas nítidas, los estampados de Warhol inicialmente parecen sacados directamente de un anuncio. Estas piezas aparentemente mundanas inspiraron innumerables debates sobre qué hace que algo sea una obra de arte.

En resumen, es el contexto, el propósito y, en última instancia, la perspectiva del espectador lo que hace que algo sea una obra de "arte". Definitivamente podemos decir que las impresiones de Warhol no se hicieron con la intención de ayudar a Campbell's a vender más sopa: las hizo para exhibirlas en la Ferus Gallery de Los Ángeles en la primavera de 1962 . Además, el simple hecho de colgar estos grabados en una galería junto a una pequeña placa con el nombre de Warhol hace que el espectador se incline mucho más positivamente a pensar en estos grabados como obras de arte. En cuanto a su propósito, el propio Warhol dijo que pintó latas de sopa porque había crecido comiendo Campbell's y amaba su sopa.

Los artistas pop utilizaron las imágenes y el paisaje de su época para crear un arte provocativo, audaz y crítico con la cultura que vieron emerger en los albores de una nueva era. Las técnicas, estilos y sensibilidades de estos artistas continúan influyendo en generaciones de artistas interesados en crear arte que todos puedan disfrutar y apreciar. Aunque controvertido, su trabajo fue fundamental para democratizar el mundo del arte y allanar el camino para que nuevos artistas de diversos orígenes encontraran su voz. Es precisamente gracias a ellos que como sociedad hemos comenzado a ampliar la definición de arte, ampliando lo que significa ser y quién puede ser artista.

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Fuentes: