Historia del Arte 101: El Renacimiento

Lanzamos palabras como "impresionista", "vanguardista" y "modernista" mucho por aquí.

Usamos "empaste" y "fotorrealista" con la misma frecuencia.

Nos damos cuenta de que algunos de nuestros lectores pueden no estar tan familiarizados con esas palabras como nosotros, pero este tipo de vocabulario es inevitable cuando se habla y describe el arte.

Hace tiempo que queríamos hacer una serie sobre los fundamentos del arte y la historia del arte, pero nunca pudimos incluirla en nuestros planes.

Con la Navidad acercándose, decidimos que ahora era un buen momento para empezar a rodar.

Es por eso que hemos decidido regalar a nuestros lectores un mini manual sobre los diversos movimientos, conceptos y períodos de tiempo a lo largo de la historia del arte occidental.

Esta semana presentamos un período de tiempo crucial que dio forma a nuestras ideas modernas sobre el arte más que cualquier otro punto en la historia de la humanidad.

Repasaremos los principales movimientos y las características de estilo de la época, y discutiremos avances significativos que contribuyeron al desarrollo de una forma completamente nueva de crear arte.

Pero primero, tenemos que ir aún más atrás en el tiempo...

Los períodos medieval y gótico

Notre-Dame de la Belle-Verrière [Dominio público]

Tras el colapso total del Imperio Romano, Europa se sumió en un período de total desorden y decadencia a medida que la infraestructura y la cultura comenzaron a deteriorarse lentamente.

La iglesia católica intervino como un organismo autoritario estable, regulando las vidas y muertes de los europeos medievales. Controlaron todo, desde la hora, la fecha e incluso la forma adecuada de vestir. En ese momento, la Iglesia tenía un papel central en mantener viva la lengua, la cultura y la tradición.

Los obispos y los papas se convirtieron en proveedores de las artes y comenzaron a utilizar pinturas, arquitectura y esculturas como herramientas para difundir la cristiandad por toda Europa. La Iglesia alentó los temas religiosos y alegóricos en las artes, pero estaba firmemente en contra de todo lo que pudiera considerarse idolatría, algo que los historiadores creen que requería el estilo rígido y unidimensional de la época.

A medida que la clase media ascendía al poder, ellos también comenzaron a defender las artes. Esto permitió a los artistas aceptar encargos fuera de la Iglesia, lo que les permitió experimentar con dimensión y realismo. Aunque las figuras estilizadas y los temas religiosos continuarían hasta bien entrado el siglo XVII, este importante desarrollo sentó las bases para la liberación del arte de la Iglesia.

El Renacimiento

Lo que los historiadores consideran hoy el Renacimiento comenzó en algún momento de los siglos XIV y XV y continuó hasta el siglo XVI.

Aunque gran parte de la población europea todavía estaba atrapada en la Edad Media, la filosofía, el arte y la ciencia comenzaron a florecer de manera espectacular.

Cima da Conegliano [Dominio público]

Un gran avance fue el redescubrimiento del humanismo .

A medida que se redescubrieron las ideas griegas y romanas, también se redescubrió el humanismo. El humanismo enfatizó la agencia de los seres humanos y creía en su racionalidad y bondad inherentes. Daba gran valor a la búsqueda de la armonía, el orden y el equilibrio.

Aunque el humanismo fue ampliamente estudiado por las clases educadas, la Iglesia mantuvo un poder considerable en la sociedad en general. Esto cambiaría con el tiempo, pero, por ahora, la Iglesia y sus campeones se aferraron firmemente a su poder y duplicarían su autoridad, erradicando la resistencia a medida que la encontraran.

Nadie espera la Inquisición... ni siquiera los bebés... 😬

Giovanni Bellini [Dominio público]

Los grandes avances en las humanidades y las ciencias llevaron a los artistas a incursionar entre las dos disciplinas y llevar las posibilidades del arte al límite.

Los arquitectos se inspiraron en la antigüedad y comenzaron a diseñar edificios inspirados en siluetas griegas y romanas, los escultores volvieron a aprender técnicas casi olvidadas y los pintores comenzaron a explorar y perfeccionar la perspectiva lineal .

Perspectiva lineal es una herramienta que se utiliza para crear una imagen u objeto tridimensional en una superficie bidimensional que es fiel a la realidad. Mejora la ilusión de "realidad" y ayuda a intensificar la experiencia del espectador de una pieza.

La perspectiva lineal se puede lograr trazando una línea de horizonte, desde la cual un punto de fuga se extiende en intersecciones ortogonales que se corresponden con elementos dentro de la escena.
Piero della Francesca [Dominio público]

Un mayor interés en desdibujar las líneas entre la realidad y la idolatría llevó a los artistas a incursionar en representar temas de manera más realista. En lugares como Florencia y Milán, esto condujo a cuerpos idealizados y una obsesión por la belleza, mientras que en el norte, en lugares como Gante y Haarlem, valoraron el naturalismo y las figuras relativamente mundanas.

La Iglesia todavía tenía a Europa y sus arcas en la palma de su mano, pero la clase media estaba subiendo lentamente para alcanzarla. La reintroducción del humanismo y la invención de la imprenta permitieron que nuevas ideas se propagaran más rápido que nunca y alentaron a los europeos educados a comenzar a cuestionar las enseñanzas de la Iglesia ya pensar por sí mismos.

Mientras tanto, un mundo cada vez más conectado requería nuevas formas de manejar la economía.

El feudalismo se derrumbó y en lugar de las haciendas y los castillos, rápidamente surgieron ciudades y pueblos. En Italia, las dinastías de banqueros comenzaron a acumular grandes cantidades de dinero y crearon una economía basada en el crédito. Estas familias invirtieron su riqueza en actividades religiosas (es decir, políticas ) así como en las artes.

Una de esas familias fue la Medici de Florencia.

Surgiendo de la nada a fines de la Edad Media, pero estableciéndose rápidamente como potencias en su campo, los Medici acumularon innumerables artefactos invaluables mientras obtenían títulos y se casaban con miembros de la realeza. En poco tiempo, los Medici dominaron las esferas sociales, políticas y religiosas en Italia, y son recordados esencialmente por financiar todos los movimientos y eventos importantes en Europa hasta el siglo XVII.

Era muy común que los artistas colaran mensajes personales, homenajes, autorretratos, alegorías e incluso motivos paganos en sus obras a pesar del tema original de la pieza.

Tome esta pieza de Botticelli, encargada al banquero florentino, Gaspare di Zanobi del Lama, por ejemplo. Aunque la pieza en sí representa la historia bíblica de los tres magos que se encuentran con Jesús en el pesebre, Botticelli ciertamente se ha tomado sus propias libertades artísticas con la escena.

Sandro Botticelli [Dominio público]

Botticelli coloca a la Sagrada Familia en un pesebre, justo en medio de las ruinas de una ciudad antigua. A su alrededor, enredaderas y hojas, que simbolizan el nacimiento y el crecimiento, irrumpen a través de los viejos muros de piedra caliza, mientras un pavo real observa la escena de abajo. Esta ave se ha asociado tradicionalmente con la riqueza, la belleza, el renacimiento y la diosa griega (léase: ¡ pagana !) Hera.

Las docenas de figuras que rodean al Santo Niño y su madre están vestidas con una mezcla de ropa moderna y antigua, borrando las líneas entre el pasado y el presente.

Para complicar aún más las cosas, Botticelli puebla la escena con retratos de su patrón (el señor mayor recostado contra la pared del pesebre, vestido con túnicas celestes, en el lado derecho de la pieza) y sus buenos amigos y fieles mecenas, el todo- poderosa familia Medici.

Leonardo da Vinci [Dominio público]

Esta experimentación con la representación no fue en modo alguno un incidente aislado.

Tome esta pintura de la Anunciación de Leonardo da Vinci, por ejemplo.

En él, el ángel Gabriel visita a María para anunciarle su inmaculada concepción del Mesías. En la mano del ángel florece un ramito de lirios blancos. Estas flores, asociadas con la pureza y la renovación, han sido durante mucho tiempo un símbolo de la Santa Madre y aparecen a lo largo de la historia del arte junto a ella.

La Virgen, por su parte, se sienta frente a una mesa ricamente tallada, decorada con la imagen de una concha abierta. Este motivo se asociaba tradicionalmente con Afrodita, o Venus, la diosa del amor, la belleza y la fertilidad.

Sandro Botticelli [Dominio público]

Una imagen, como dicen, vale más que mil palabras, y los símbolos habrían sido fácilmente reconocibles para las masas, independientemente de la educación formal o su capacidad para leer. Esto los convierte en una gran herramienta para que los artistas los utilicen con el fin de transmitir el mensaje deseado a su audiencia, a menudo analfabeta.

Los temas religiosos y clásicos a menudo se asociaban con frutas u otros símbolos. Casi todos los santos tenían un conjunto de imágenes que correspondían a sus virtudes, milagros o muertes que podían usarse o apropiarse para diferentes propósitos. Esto no solo los hizo fáciles de identificar, sino que les dio a los artistas una tradición visual sobre la cual podían construir.

Alto Renacimiento

El Alto Renacimiento fue menos un movimiento y más un apodo descriptivo.

Si bien algunos historiadores del arte fechan el Alto Renacimiento a finales de los siglos XV y XVI, esta forma de pensar sobre el período está cayendo lentamente en desgracia. En cambio, los historiadores han acordado que el arte que se ha identificado como perteneciente al Alto Renacimiento se describe mejor como el epítome de todas las cosas que caracterizan el período en su conjunto.

Leonardo da Vinci [Dominio público]

Las obras identificadas como Alto Renacimiento presentan pinceladas suaves, contrastes audaces o colores brillantes, y atención a los detalles anatómicos y realistas. Estas obras son las que podemos nombrar colectivamente a simple vista y, a menudo, son creadas por los artistas que conocemos por su nombre (es decir, Donatello, Michaelangelo, da Vinci y Raphael). Estas pinturas combinan talento, habilidad y tema para crear una pintura hermosa y cautivadora.

¿Alguna vez te has preguntado por qué Mary siempre se pinta de azul?

Antes del descubrimiento de los pigmentos sintéticos modernos, la piedra preciosa, el lapiz lazuli, se molía hasta obtener un polvo fino y se mezclaba con aglutinantes para crear pinturas. Debido al proceso laborioso y costoso, este tono ultramar solo estaba reservado para las figuras más importantes.
Tiziano [Dominio público]

Rafael [Dominio público]

A medida que avanzaba el Renacimiento, los temas de las obras de arte se volvieron cada vez más seculares.

El arte religioso, alegórico y clásico todavía se valoraba como el epítome de los logros artísticos, pero la gente también comenzó a desear otras cosas más decorativas.

Esto dio paso a nuevos temas como el género, el paisaje y el retrato, que se alejaron de los temas más tradicionales en sus (percibidos) diversos grados de complejidad.

Paisaje

Lavinia Fontana [Dominio público]

Aunque la pintura de paisajes tardaría otros dos siglos en convertirse en un tema venerable, el Renacimiento sentó las bases para su reconocimiento.

Los artistas que incursionaron en el paisaje durante este período lo hicieron como un aparte de algún tema religioso o alegórico más amplio. Los paisajes producidos durante el período fueron muy idealizados y estéticamente muy perfectos. Sin embargo, el interés inicial por el paisaje en sí sigue presente y se está convirtiendo lentamente en un tema propio.

La pintura de arriba de la venerada pintora Lavinia Fontana es un excelente ejemplo de los comienzos de este cambio.

Aunque el tema de esta pieza es el encuentro de María Magdalena con el Mesías recién resucitado, el fondo está lleno de exuberante vegetación y maleza que añade una dimensión extra y cierta complejidad a la escena.

Retrato

Giovanni Battista Moroni [Dominio público]

El retrato saltó a la popularidad durante este tiempo debido a los intereses de la creciente clase media.

Los retratos dieron a los patrocinadores la oportunidad de crear su propia identidad, transformándose en avatares más grandiosos y ricos de quienes realmente eran. Este estilo de pintura se convirtió en una forma de documentar la riqueza y el estatus y se usó en los arreglos de propuestas, para documentar eventos importantes e incluso como propaganda, presentándose efectivamente como los selfies de su época.

Género

El género ganó popularidad en el norte de Europa en un área conocida colectivamente como los Países Bajos, pero lentamente se abrió camino hacia el sur, hacia Italia, donde los maestros del Renacimiento se afianzaron rápidamente.

En este estilo de pintura, los sujetos son personas comunes que hacen cosas comunes. Estas pinturas se hicieron populares entre la clase media, que encontraba las escenas encantadoras por su intimidad y familiaridad.

Sofonisba Anguissola [Dominio público]

El Renacimiento dio origen a una serie de ideas y movimientos que dieron forma a las nociones de moralidad y estética y continúan influyendo en artistas y personas comunes hasta el día de hoy. El arte durante este período se cuenta entre los mejores jamás creados y las piezas de este período a menudo se consideran piezas del patrimonio cultural.

Es fácil ver, entonces, por qué el Renacimiento es considerado el más influyente y virtuoso de la historia. Debido a su estatus, ha seguido inspirando a generaciones de creadores que continuaron y se basaron en los principales inquilinos de la época para crear estilos y temas propios.

Fuentes:

https://www.bl.uk/medieval-english-french-manuscripts

https://www.youtube.com/watch?v=xf2G2Il8crw&t=4s

https://www.youtube.com/watch?v=6YiL9MNyGKE

https://www.britannica.com/event/Edad Media

https://www.britannica.com/art/Gothic-art/High-Gothic

https://www.britannica.com/art/Renacimiento-arte

"Arte renacentista: una introducción muy breve" de Geraldine Johnson, 2005

“Arte renacentista” de Victoria Charles, 2007